DEPECHE MODE EN EL FORO SOL

Regresa Depeche Mode a la Ciudad de México y estamos retrasados, lo suficiente para afortunadamente perdernos a Quiero Club pero no tanto para no oír la canción abridora de la noche, por fin entramos a la explanada y el intro de “In Chains” da pie a la letra del verso mientras tratamos de encontrar la mejor ubicación para ver el show que traen en esta gira. No tuvimos el mejor sitio, pero tampoco fue algo como para llorar; cierto que la colocación de la consola fue algo imprudente a la vista además de que las pantallas no ayudaban lo suficiente para poder disfrutar aún mas del concierto, pero era el ambiente, el estar en el recinto correcto, con la banda perfecta y la compañía perfecta, todo eso se conjugaba para saber que la noche sería de las mejores para un evento memorable con música que desde los 80 ha influido, musicalizado y hecho pasar momentos inolvidables a millones de personas y a varias generaciones (en lo personal tengo muy buenos recuerdos con la música de Depeche).

“Wrong” fue la segunda canción del setlist y el primer momento alto del a noche, no solo para nosotros, sino para todos los demás asistentes en el Foro Sol, que por cierto mostraba huecos debido a los revendedores. La noche siguió y nos deleitó no solo con los sonidos que escupían las bocinas y que se generaba en los sintetizadores de Gore; Gahan mostró estar entre los mejores frontman del negocio del espectáculo, canta, baila, engancha y seduce al público, sus movimientos son tan sensuales que de tener un tubo a la mano lo bailaría y lo haría de la mejor manera posible para dejar un grato sabor de boca entre los asistentes de sexualidad dudosa. Fletcher aparte de corear, tocar la guitarra y sintetizadores sabe llegarle al sentimentalismo y lo demostró al cantar “Home” con un acompañamiento a piano, arreglos nuevos, pero con el mismo sentimiento que con el que fue compuesta, claro que faltó el fraseo melancólico de guitarra al final de la canción y éste fue sustituido por un coro bastante disparejo por parte del público que aunque no estropeó la canción no le dio ese brillo propio de la melodía, sino que la ensució un poco.

Otro de los momentos mágicos de la noche fue con “IFeel You” que yo esperaba con ansiedad y que al parecer no era el único que se emocionó en ese instante, todos aplaudían, coreaban y movían los brazos y bailaban al paso que Dave proponía en el escenario. Una de las canciones clásicas y que saben que no pueden dejar de tocar era “Enjoy the Silence” casi para finalizar la primera parte del set y que a todos emocionó: celulares arriba, pies al ritmo de los beats, todo para tener una noche única y especial, lo malo fue que a mitad de la canción nos dimos cuenta del extravío de $500, una muy mala noticia en uno de los momentos menos oportunos.

Los encores con “Personal Jesus” y su riff en FA sostenido y arreglos nuevos, dándonos la sensación de que nada mas importa, “Behind The Wheel” otra de las clásicas que muestra de donde vienen varias de las cosas que se hacen en la música hoy en dia.
Excelente noche, maravilloso el acto de los oriundos de Exeter, público amable y entregado a la fiesta y donde nos dimos cuenta de que la sensibilidad puede salir de instrumentos aparentemente fríos como el sintetizador, para ser sincero no creí que llegaría a salir tan satisfecho pero la verdad es que salí extasiado.

Salimos con la satisfacción de ver una gran banda en un gran show y que además tuve la fortuna de compartirlo con una encantadora persona (ya encontraremos el billete).

GUITARRA vs GUITARRA (II)

En una época donde la guitarra no tiene el mismo protagonismo que en otros días, aun hay músicos que rescatan el aporte de este instrumento a la música actual y también son miembros de bandas icónicas, y con gran aceptación por parte del publico, del mainstream y de la critica: Jonny greenwood y Matt Bellamy ¿herederos de Page y Gilmour? No se porque esa idea se me viene demasiado a la cabeza, tal vez poco tengan que ver con ellos o tal vez es demasiado el que se les acerquen, pero la expresividad de Jonny me recuerda el enorme sentimiento de las guitarras de Pink Floyd. Asi como la velocidad y riffs de los dedos de Matt me recuerdan en ocaciones a Page.

Tambien es difícil separarlos de sus respectivas bandas, los dos aportan no solo su intrumento principal, sino que también tienen a disposición otras gracias, como el piano o los teclados, la voz en Muse y el multinstrumentalismo en Radiohead. ¿solos importantes? Seria dificl encontrar algo asi, porque las estructuras melódicas son otras pero si hay pasajes importantes y virtuosos, por ejemplo; Paranoid Android y Just por un lado y New Born e Hysteria por el otro.
Bellamy tiene a disposición (y por gusto) todo un arsenal de guitarras fabricadas a capricho de él, además de tener como plus el que tienen efectos integrados para su placer de sonidos y además presume que esta a la vanguardia tecnológica. Greenwood por su parte se conforma y le saca jugo a su vieja telecaster y que aunque si le mete efectos a su antojo y madeja los pedales con gran maestria, el estilo de ambos varía al igual que su lugar en la banda. Muse es un power trio dentro del genero del ¿brit pop? ¿heavy rock? ¿alternativo? Y la guitarra funge como eje, los otros dos miembros trabajan en torno a la imaginación de Matt, tanto en composiciones como en instrumentación, un buen balance para los alcances del guitarrista

Radiohead es un quinteto que empezó como alternativo noventero y ahora ni ellos mismos se molestan en clasificarse en algo, aquí Jonny trabaja para Yorke y también tiene asu lado un par de guitarristas (si es que la canción lo requiere) para apoyarse, siendo Greenwood el que lleva la batuta. Falta agregar su imagen que aunque no debería de tomarse tan en cuenta también pesa en el negocio del espectáculo; el de Devon es un completo rockstar que se entrega a sus canciones y que para nada le afecta el hecho de brincar y moverse a su libre antojo, por su parte Jonny parece un niño autista con ataques epilépticos, en su burbuja, lejos del escenario, toda su atención se va hacia su compañera insaciable por un rasguño mas.

Dos músicos distintos pero hermanados en cierto sentido, una guitarra clásica por un lado y una futurista por el otro, ambos son guitarristas del siglo XXI, con estilos disímbolos pero que satisfacen el oído con las sutilezas y agresiones musicales.

GUITARRA vs GUITARRA (I)

Cuando se me pregunta por mis guitarristas favoritos se me vienen a la mente; Jimmy Page y David Gilmour, de los cuales no hay duda de su talento y genialidad y aunque los dos entran en la categoría de: “maestros de las seis cuerdas”, también hay detalles que los regresan a la tierra, por ejemplo; Page no es tan limpio como Gilmour y éste a su vez se le dificulta el tocar en compases diferentes al de 4/4, pero esas características, lejos de propiciar puntos negativos, encasillan a cada uno en un estilo particular y a la vez único. Claro que también habrá que tomar en cuenta a las bandas de las cuales provienen cada uno, Led Zepellin y Pink Floyd, blues y psicodelia, excesos y locura, mientras uno exploraba escalas, el otro creaba pasajes, en el zepelín de plomo era la guitarra el eje central de las canciones mientras que en Floyd lo era la melodía de la canción, la guitarra solo acentuaba el arte descarriado, los comparsas de Jimmy estaban para servir a la Les Paul mientras que David ponía su guitarra a disposición de los caprichos de Waters.

De sus plumillas salieron dos de los tres mejores solos de la historia del rock: Starway To Heaven y Comfortbly Numb. Ambas emotivas e intensas pero en contextos diferentes, escalera al cielo tal vez la mejor canción de todos los tiempos con un sonido clásico y casi perfecto. Agradablemente aturdido no creo que sea de las mejores 5 pero al verla como parte de toda una obra (The Wall) uno se da cuenta del peso especifico de esa canción y mas aun de su solo, tan limpio y sensible como la misma depresión.

No trato de decir que alguno sea mejor que el otro, ni siquiera puedo decidir cual me gusta mas, solo trato de escarbar un poco en la obra de cada quien de escuchar su técnicas tus mañas y alcances de cada uno, miembros de dos bandas no solo clásicas sino básicas de la música contemporánea, diferentes estilos y diferentes guitarras, Gibson y Fender, Stratocaster y Les Paul, ambos son referencia de músicos posteriores, ambos marcados con excesos, ambiciones desmedidas e incluso inconsistentes en solitario, es difícil separar los riffs rocanroleros de la voz aguda de Plant, así como lo es quitar la guitarra de Gilmour de las alucinaciones y caprichos mentales de Roger Waters. No hay razón para demeritar a alguno de los dos, solo que creo que hay que ver las dos caras de la moneda para poder saber apreciar bien las cosas que se tienen enfrente. ¿Qué mas se puede decir de ambos músicos? ¿Hay algo que no se sepa ya?

Dos iconos de la historia de la música que unen gustos, que convergen en un mismo sentimiento.

EL EFECTO PLACEBO

En medicina el efecto placebo consiste en medicar a un paciente con pastillas sin propiedades curativas y así crear un efecto psicosomático para que el enfermo en cuestión se cure por sí mismo. Desgraciadamente algo parecido está sucediendo con la agrupación del mismo nombre.
Y es que el material que editaron para este 2009 carece de todas las propiedades que hacían de Placebo una gran banda, incluso la voz de Molko se oye plana, sin chiste y monótona, (algo que uno no podría creer), solo en el track que da título al disco se puede apreciar algo de calidad, tanto musical como vocal y eso me parece que es lo único rescatable.

Cuando estaba desmenuzando las canciones me fue difícil no evocar los trabajos anteriores y apreciarlos aun mas; el primero fue un buen debut con 10 canciones punkies, distorsión y mucha actitud ; “Without You I´m Nothing” es uno de los mejores trabajos de la década de los noventa, suena a muchas cosas y a la vez a ninguna, teniendo en la voz el hilo que une y amalgama todo el disco; “Black Market Music” es oscuro y depresivo ideal para comenzar y amedrentar el nuevo milenio; “Sleeping Whit Ghosts” fue el comienzo del declive, con melodías mas pop, menos arriesgadas pero aun con esa credibilidad en medio de glamorosidad; “Meds” que yo creía que era su punto más bajo aun tenía rasgos de esa banda punk con rímel que hacía de las suyas en los escenarios con solo tres personas y mucha distorsión.
Pero en este último ¿trabajo?, ¿disco?, ¿material?, al cual esperé con ansias y que me decepcionó a la primera escucha no le veo cuadratura ni buenos riffs, o siquiera algo medianamente rescatable, ni el ¿arte? empaque esta a la altura de lo que la banda construyó para sí misma. Un eclipse y fotos de los integrantes a la moda fresi-rocker; es todo lo que ofrece, o sea, nada.

El cambio de baterista se justificó con el argumento de “diferencias creativas” y si ese pretexto es cierto, le doy toda la razón a Hewitt. Molko y Olsdal ya dejaron de ser los músicos que hueseaban con Bowie, que escandalizaban a la prensa con su actitud sexual ambivalente, que tomaban la guitarra para escribir un buen riff y hablar de la sublimidad de la vida y el rock´n roll. Ahora las guitarras son planas, meras acompañantes de melodías perdidas en la poca inspiración que le queda a Brian, ¿Dónde quedó el Re sostenido de pure morning? ¿El sampleo de Taste in Men? ¿La distorsión de Special K? ¿El falseto afeminado de Come Home? Nada de eso queda ya, ni las fotos de gemelas deprimidas y niños perdidos, ahora hay eclipses y ferias olvidadas por la mano de dios, se acabaron los días de pianos culpables por fisgonear a las vecinas y de utilizar al hip-hop para proponer algo fresco y novedoso, ahora hay trompetas y coritos en español.

Hay dos placebos: el de los tres primeros discos en donde la actitud por escribir buenas canciones y deprimirse con el estilo de vida de la música era la prioridad. Y el de los últimos tres álbumes, en donde la complacencia de las compañías disqueras esta antes que grabar algo de calidad y con corazón. Bajo esta aseveración no me queda mas que darle play a “Every you every me” y disfrutar de una cerveza en un dia soleado, en vez de soportar a Stefan corear en español “Cenicero, cenicero, corazón de cenicero”, aargg.

PLACEBO "BATTLE FOR THE SUN"

Por fin salio a la venta el nuevo disco de placebo y despues de oirlo durante dos dias, solo me limito a preguntar:

¿ACASO ES UNA PUTA BROMA?

DOVES "KINGDOM OF RUST"

El último disco de Doves que salió en este año es de lo mejor en materia musical británica y fácilmente pasara a las listas de lo mejor para este 2009. Tiene el sonido característico de la banda, con grandes melodías, arreglos, letras un tanto optimistas y hasta fantasiosas, que en lo personal me hicieron pasar un buen momento mientras viajaba en camión y veía los paisajes a mí alrededor.
A comparación con el último de Elbow (una banda con quien se les hermana bastante), el Kingdom of Rust me gustó mucho más, y en la que cada canción merece no solo mi atención sino mi reconocimiento. “Jetstream” me encanta; por su base electrónica, por sus arreglos en guitarras y esas frases de aviación que encajan bien con la idea de dejar atrás las cosas que no valen la pena. El track que da título al disco es mi favorito, los trémolos y los arpegios que que acompañan la melodía hacen que sea una de mis canciones preferidas para escuchar a cada rato, ¡y qué decir del rasgueo de la guitarra en el puente de la canción! Técnicamente no ofrece demasiado pero la forma de tocar y el sentimiento que se le pone es lo que me gano para seguir escuchando este tema a cada momento.
“Compulsion” ¡que buen bajo! y la guitarra acompañadora no se queda atrás también es de lo mejor del disco. “10:03” suena melancólica y es melancólica, un buen tema para escuchar de noche y viendo la calle como se agita con el viento, “Winter hill” es el sello característico de Doves.

Como decía al principio, me parece que es de lo mejor que se ha editado y editara para este año que está a la mitad, muy lejos de lo que pasa a cada rato en la radio pero tan cerca de la red y de las tiendas de discos, no queda otra cosa más que adquirir dicho álbum y ponerlo una y otra vez para deleitarnos con lo que la escena musical de Manchester tiene que dar, esperemos que en sus planes este el visitar México y comprobar que efectivamente la isla tiene la vanguardia musical en sus manos.

ELBOW "THE SELDOM SEEN KID"

¿Se puede etiquetar como rock a lo que hace Elbow? Ellos se definen como pop progresivo y posiblemente sea lo más acertado, ya que por rock uno entiende guitarras y distorsión, claro que también debe de haber arte y búsqueda de nuevas propuestas; y eso es lo que tiene la música de esta banda británica tiene como elemento ptincipal. El uso de cuerdas, arpas, pianos y demás instrumentación orquestal aunado a melodías pop con ese toque de espíritu rocanrolero hace que su sonido sea tan versátil y a la vez nos llegue hasta los rincones de nuestra reflexión.
Si bien es difícil encontrar hoy en día a bandas que buscan nuevos derroteros, también lo es el encontrar a agrupaciones que hagan bien las cosas por el simple hecho de disfrutar el colgarse los instrumentos y huesear a gusto.

Tal vez no tengan la pretensión de lograr nuevos caminos para la música, tal vez solo quieren satisfacer el deseo de componer algo que les agrade y aderezarla con nostalgia y buenos arreglos. Eso es lo que se me vino a la mente cuando escuche su último disco, el: Seldom Seen Kid, un disco muy bueno para esas tardes nubladas o lluviosas, desde la abridora “starlings” pasando por “The Bones of You”, “Grounds of divorce”, “An audience with the pope” y “The fix” que para mi fueron los temas que más me gustaron de este material, aunque el resto de las canciones no desmerecen en nada solo que conforme uno las va escuchando se van adentrando mas en el pensamiento de cada quien. De lo último que he escuchado en estos días es de lo que más me agrada oír a cada rato, y a la vez me hace pensar que no todo está en riffs rápidos o efectos sacados del más allá, se debe de poner énfasis en trabajar desde la nota inicial hasta el sonido que se quiere obtener.

SETLIST DE RADIOHEAD

Estos son los setlist de Radiohead en su visita a México, ¿cual es el mejor?

Domingo 15 de Marzo

15 Step

Airbag

There There

All I Need

Nude

Weird fishes/Arpeggi

The Gloaming

National Anthem

Faust Arp

No Surprises

Jigsaw Falling Into Place

Lucky

Reckoner

Optimistic

Idioteque

Fake Plastic Trees

Bodysnatchers

ENCORE 1

Videotape

Paranoid Android

House Of Cards

My Iron Lung

Street Spirit

ENCORE 2

Pyramid Song

Just

Everything In It's Place.


Lunes 16 DE MARZO

15 Steps

There there

The National Anthem

All I Need

Kid A

Karma Police

Nude

Weird Fishes/Arpeggi

The Gloaming

Talk Show Host

Videotape

You and Whose Army?

Jigsaw falling into Place

Idioteque

Climbing up the Walls

Exit Music (For a Film)

Bodysnatchers

ENCORE 1

How to Disappear Completely

Paranoid Android

Dollars and Cents

The Bends

Everything in Its Right Place

ENCORE 2

Like Spinning Plates

Reckoner

Creep

RADIOHEAD EN MEXICO

La espera había sido demasiada, la visita casi desapercibida en el 94 y en donde las circunstancias no favorecieron la buena imagen de este país ha quedado atrás, ahora son una banda mucho más madura e inteligente que busca no quedarse en los mismos estándares que ellos mismos se imponen, cada disco busca su propia identidad y cada ejecución también busca tener una imagen particular, así es como llegaron al primer concierto este 15 de Marzo para extasiar al público mexicano.
Subieron al escenario y tocaron sin dar algún tipo de complacencias, tocaron como ellos quisieron, lo que ellos quisieron y para complacerse a sí mismos, no es fácil dar gusto a una masa que los esperó por más de 10 años, que ha hecho de cada disco algo tan propio como las mismas costumbres y que se sienten como si fueran compuestas para uno mismo. Hay tanto que escuchar que no bastarían 2 fechas para oírlo todo, además de que el gusto es tan variado que hay a quienes les gusta lo primero con guitarras, lo último mas atmosférico o los lados B, mientras sea Radiohead quien salga a escena y dar su mejor espectáculo, no importa el setlist. Hay que disfrutar de la voz de maniquí de Yorke, de la eficacia de O`Brien, del enorme talento de Colin y del apoyo y exactitud de Selway. Mención aparte merece el guitarrista sádico-esquizoide que es Jonny (que bien podría decirse que algunos que tengan mejor técnica que él, pero Greenwood tiene ese sentimiento a la hora de tocar su telecaster que uno no puede dejar de verlo estremecerse con cada rasguño y golpe que le da a su guitarra.
No llegue esperando escuchar algo en particular, pero conforme avanzaban las canciones poco a poco me di cuenta de las ganas que tenía de oír: idioteque, the national anthem y i might be wrong. Las dos primeras las ejecutaron maravillosamente, el bajeo obsesivo y las secuencias del himno nacional me hicieron sentir al borde de la locura. El límite de la cordura casi se borra con el beat atemporal y la voz aguda de Thom en idioteque, además de que imaginariamente casi me lleva al manicomio. De i might be wrong no puedo decir nada pues nunca llego (tal vez mi única objeción). Para mi sorpresa incluyeron fake plastic trees y street spirit, algo que no esperaba pero que su inclusión fue algo por demás emocionante, de lo que si esperaba era; karma police y 2+2=5, pero como mencioné antes: no importa lo que toquen.
¿Qué decir de Kraftwerk? La vanguardia en música techno directo de Dusseldorf vino para ser la antesala perfecta de una banda que ha tomado mucha influencia del krautrock.
Una gran noche con grandes músicos y excelente compañía, Radiohead demuestra que es la última gran banda, y parece que eso debe de bastarnos pues hoy en día es difícil encontrar en hilo negro, pero estos ingleses señalan donde está y lo usan para coserse las heridas con él.

¿FRAUDE EN EL ROCKARGA?

No tengo la menor idea de que se trate esto, asi que mejor les paso la información tal y como me la enviaron, háganse de su propio criterio.

Hola a todos!!! Ahi les envio una info de un periodista del Estado de México que estamos tratando de contactar, que dio a conoces información sobre el fest de Música para los dioses. No esta nada mal que exista gente que se preocupa por los intereses de los demas y sobre todo, por mantener un país libre de gente transa. Un saludo Chepo.................
A todos:

Me llego de primera mano esta informacion que creo que es necesaria que se tenga en cuenta.

Con una trayectoria de iniciativa privada por parte de residentes de Teotihuacan y sus alrededores, fue que se creo el proyecto musical llamado ROCKARGA "Musica para los Dioses" hace 5 años (2005). Misma que con muchos esfuerzos se fue dando y creciendo poco a poco con la confianza del talento y de patrocinadores.

Con mucho exito, las dos emisiones pasadas de ROCKARGA dieron a este evento el reconocimiento del publico y de la nacion postulandulo como uno de los eventos musicales mas importantes de Latinoamerica, tendiendo como escenario, una de las zonas mas importantes del pais y cercana a nuestras raices en Teotihuacan. Dando trabajo a los locales y por supuesto al gremio musical.

Sin embargo, para 2008 comenzaron los detalles.

Parte de la Asociacion de creadores y socios de ROCKARGA habian dado a Alfredo Martell (MC Media y ex directivo de Orbita 105.6FM) su confianza, dandole parte de la organizacion para que su empresa ayudara a hacer las gestiones de contratacion y negociacion con los grupos a participar.

Abusando de esta confianza, Alfredo Martell ha SACADO del proyecto a los inciciadores y creadores de ROCKARGA, gente de Teotihuacan quienes con mucho esfuerzo hicieron de lo que es hoy este festival.

Al dia de hoy Alfredo Martell ha llamado a "su" proyecto el nombre de "Musica por los Dioses" ya que el nombre de ROCKARGA no se podria usar. Sin embargo esta usando el mismo concepto, el mismo logotipo y con la misma tematica, ademas de realizarlo en las mismas fechas y locacion.

Tal es el caso que los grupos, managers, agencias y oficinas no saben de dicho hecho, y han nuevamente confiado en esta persona, para realizar ahora el llamado festival "Musica por los Dioses" pensando que se trata del mismo festival y de la misma gente, cosa que NO es asi.

Engañando al publico, prensa, y musicos con este evento, dentro del cual, se tiene ya una demanda interpuesta para que este personaje Alfredo Martell tenga que dar la cara ante la ley de los rubros que se le acusan.

Es necesario que todos y con esto me refiero a TODOS de una vez por todas hagamos caso de este tipo de señales.

Es sabido que Alfredo Martell con su trayectoria, ha sido un personaje reconocido en la musica, y gracias a esto, la gente ha creido en el, sin embargo, hay cosas detras de todo esto que deben de salir a flote.

Tal es el descaro de Alfredo Martell que hay declaraciones que ha dado como "creador" y "propietario" de este concepto.

El original es ROCKARGA "Musica por los Dioses" tal cual.

Ya hay rumores, pero nadie ha hecho caso de que ya existe un plagio por su parte y que hay deficit en numeros, misma razon por la cual no ha dado adelantos ni garantias a los grupos a participar en esta proxima emision de 2009.

Vean la informacion y no nos quedemos ciegos por favor!!!

La gente de Teotihuacan, los socios, no han hecho nada porque nadie les cree que Alfredo Martell sea una persona capaz de hacer esto por su "supuesta experiencia".

Investiguen y difundan esta informacion, es necesario que este personaje de la cara ante tales acusaciones, y regrese a Teotihuacan y a la musica lo que les pertenece. No es una cuestion de dinero, si no de justicia, de decir la VERDAD, una verdad que tanto este pais necesita.

Atentamente.

Alexis Cortes
Periodista independiente
Estado de Mexico

ZURDOK "HOMBRE SINTETIZADOR"

Hace 10 años zurdok editó lo que es su mejor trabajo, (aunque el "Maquillaje" con sus devaneos en el post-rock no se queda atras). Empezar a enumerar las virtudes del "Hombre Sintetizador" sería difícil, no porque no sea fácil de encontrarlos o por algun tipo de flojera auditiva, sino que los puntos altos de este disco son tantos y ademas no seria algo que no se haya dicho antes; letras excelentes, instrumentacion mas que adecuada, riffs inteligentes y si a algunos las voces les pueden paracer lentas, yo creo que son parte de un excelente total que redondea muy bien el estilo del disco.

Es un material que suena "alternativo" (en todo el término noventero de la palabra, no por nada fueron abridores de Placebo), en el estilo que siguieron aqui y en el Maquillaje, dieron una vuelta de tuerca fresca e inteligente con la que bien podia haber participado en todo tipo de festivales europeos y no habrian desentonado.

Para mal (¿o bien) Zurdok se desintegró pero dejó este disco que bien deberai de ser tomado como influencia para el rockcito mexicano, a ver así empiezan a hacer bien las cosas, ya que parece que lo que importa ahora es; vestir de forma esteticamente descuidada y tocar de lo mas insulso.

INTERPOL "TURN ON THE LIGHTS ON"

Escuché a Interpol por primera vez a mediados del 2003 cuando MTV programaba algo de música decente poco antes de las seis de la mañana, era un video acerca de una hidrofóbica que bailaba a ritmo de obstacle 1, fascinado por aquella canción, me di a la tarea de buscar el disco y conocer más a profundidad a dicha banda oriunda de Nueva York.
El disco abre con Untitled, una canción de dos acordes, lenta, oscura y monótona donde la voz lóbrega de Banks trata de iluminar la melodía. Obstacle 1 ya es reflejo del sonido de Interpol, con bajos que no solo acompañan la canción, sino que proponen sus propios riffs, beats de batería poco convencionales, además de letras de amor abstracto. NYC, otra pieza monótona de dos acordes que es adornada por los tintineos de los platillos y los trémolos atmosféricos de Kessler, me hace sentir como si estuviera caminando por las calles de la gran manzana a las nueve de la mañana en un día frio y con un cigarro en la mano. PDA es una de las canciones con más energía de Interpol, además del excelente juego de guitarras, la catártica Say hello to the angels nos incita a mover la cabeza y a brincar en cada uno de sus conciertos.

Hipnotica e ideal para la introspección, nuevamente el uso de dos acordes, tal vez tres, aunque no se necesita más que eso, y una guitarra extra acompañado de un teclado para imaginar el juego de luces sombras de la banda interpretando: Hands away. Obstacle 2 no se parece a su primera parte, lo que hace pensar que el nombre es simplemente casualidad, aunque el encanto de la canción radica en los delays de las guitarras y en el ligero crescendo en la parte final de la canción, la voz de Banks no solo canta la letra sino que se acopla al contexto musical para mimetizarse como un instrumento más.
En primera instancia podría sonar a que es una buena canción para una chica llamada Stella, pero conforme se le oye, uno descubre que la obsesión sexual persigue la letra y lo convierte en algo enfermizo, aunado al peculiar bajeo en los versos y la batería que pulsa la canción como si fuera una escena erótica, todo ese conjunto de elementos entregan uno de los mejores temas del disco, creo que es de más el acotar que los delays del guitarrista suenan increíbles en Stella was a diver and she´s always down. No solo hay canciones monótonas de dos acordes, también las explosiones de angustia y riffs desesperantes, tal es el caso de Roland, poco más de tres minutos pero el resultado es contundente, un excelente “solo” al final estalla como si la sangre corriera, es el tema perfecto post-orgasmo. Harmonicos aderezados con delay, un bajo que evoca nostalgia, si el tema anterior es post-orgasmico, aquí hay que encender el cigarro y meditar en lo que se acaba de hacer, aunque justo a la mitad de dicha acción escucharemos como in si baja medio tono para hacernos sentir que es necesario volver al sexo mientras seguimos oyendo The New.

Leif Erikson es a mi gusto uno de los mejores temas que he escuchado para cerrar un disco y en la letra se hace claramente evidente al decir “put he lights out” y al oírlo confirmamos que es un trabajo sin desperdicio, en donde las canciones son las exactas, duran lo suficiente y están trabajadas de la manera perfecta para evocar nostalgia, un elemento tan característico de la banda y de este disco en particular. Hace siete años que salió a la luz, justo cuando el mundo estaba inmerso en confusiones ideologicas y tendencias retro, es uno de los mejores trabajos de la década actual y que a mi gusto tuvo como mala consecuencia un revival del post-punk (muy en particular de Joy Division) y que tiene los meritos suficientes para estar dentro de los cinco mejores trabajos de este naciente milenio.

MANIFEST CANCELADO

El día de ayer acudí tranquila, parsimoniosa e ilusamente a la alameda santa fe para comprar mis boletos del manifest, y así poder disfrutar de un festival que encanta por su propuesta y que se aleja de las mediocridades de un Vive Latino. Llegué como a las trece horas a la taquilla y pedí mis boletos, al pagar con mi tarjeta me dicen que no tienen terminal y que el pago lo tendría que hacer en efectivo, así que tuve que buscar un cajero para poder terminar mi transacción y poder retirarme con mis papelitos y unos cartelitos de propaganda con la alineación del festival que me llenaría de felicidad el 8 de noviembre. El trayecto de Santa Fe hasta mi casa comprende algo así como 2 horas en tiempo, un trasborde en metro y la toma de un camión en la central del norte, y así fue como transcurrió mi regreso, además de no tener sobresaltos, incomodidades, incidentes con alguna persona o los tan temidos asaltos o actividades ilícitas que suceden a diario en este país.
Llegue a mi casa poco antes de las cuatro de la tarde y al entrar a mi cuarto abro mi mochila y enciendo el radio para oír la frecuencia de ibero mientras disfruto de la textura, color, letras y hasta el olor de los boletos, antes de poder hacer eso escucho a Dabid Hernández dar una noticia que me dejaría helado: se cancelo el manifest por razones de la economía mundial y el inestable tipo de cambio del dólar ante el peso, sorprendido ante tal noticia corro a checar la información a través de internet para poder corroborar la noticia antes escuchada, y mi asombro es tal al ver varias páginas con esa noticia y todas con la misma versión.
Estoy frustrado, enojado, no me calienta ni el sol y lo peor es que no encuentro alguna maldita forma para dejar de sentirme así, aparte de la noticia del manifest, debo de ir por mi reembolso hasta santa fe y cubrir un espacio de 4 horas en el transporte publico, perder la mitad de mi día, perderme de un gran espectáculo y terminar de frustrarme por no ver a Travis en compañía de una chica que se merece eso y más.

Why does it always rain on me?

San Pascualito Rey en el Temasfest

El pasado 3 de Octubre se presento San Pascualito Rey en el Temasfest (que feo nombre), si bien el evento en sí se podría decir que estuvo “bien” así a secas, y es que las bandas del underground no exigen demasiado, y el publico asistente se conformó con cerveza fría, bandas para brincar y tener un pretexto para poder llegar a su casa hasta las 12 (como cenicientas). Pero tomemos en cuenta la actuación de la banda estelar y olvidemos el contexto; SPR es una banda que tiene un estilo propio y que refleja el origen geográfico de la misma, sin caer en moditas “indie”, el ingles mal pronunciado y mucho menos la mamoneria rockstar que tanto aqueja a los músicos (es un decir) del rockcitito hecho en México.

La invitación en la guitarra para Alejandro Otaola fue un acierto que se agradece, no estuvo de mas en las ejecuciones y como buen alumno de Aguilera se le pudo apreciar en unos arreglos maravillosos, el publico (el poco que quedo debido al efecto de laseñoritadelazapatilladecristal) coreaba todas las canciones, pedía a gritos su favorita y hubo algunos que hasta hijos pedían, así fueron pasando por el setlist todas las melodías que desde el “sufro, sufro, sufro” habían hecho que se les unieran fans a su gustado estilo y con las del nuevo disco (caemos o volamos, asi es el amor, olvidate de mi, pervertidamente) fue que esa noche, una de las mejores bandas de este país ofreciera un memorable concierto y tal vez el mejor para estas tierras donde lo que mas se escucha son los ritmos promovidos por la “Z”.
Gran toquin, San Pascual se caracteriza por el uso de sintetizadores y guitarras acústicas que adornan muy bien sus canciones, la voz de pascual es un gran sello de la banda y las guitarras llenas de efectos hacen que el viaje mágico musical sea de lo mejor. El sonido emparentado fuertemente con la barranca y con los sonidos psicodélicos forjan un sonido de difícil clasificación pero que a la hora de estar sobre el escenario sobran las etiquetas, al final de la noche sali satisfecho por lo que escuche y mas aun porque solo costo 20 varos y un kilo de arroz que yo no compre.

SCARLETT JOHANSSON "ANYWHERE I LEAD MY HEAD"

Se podría decir que es un capricho de una actriz, que el incursionar en el mundo de la música se debe a motivos publicitarios o tal vez el mero capricho que su posición social le puede dar, y tal vez sea cierto, aunque al escuchar este material se puede ver algo mas que simple afición a la música. No me parece un trabajo pretencioso ni algo por el estilo, mas bien se me hace un pasatiempo llevado a algo un poco mas “serio” aunque no llegue a tener un nivel de calidad extraordinario. Creo que es un trabajo honesto por el simple amor a la música y eso se agradece, Scarlett Johansson no necesita vender discos para vivir y eso se traduce en hacer las cosas con calma, con honestidad y sin preocupaciones de otra índole y el resultado es el “AnywHere I lead my head”

Una simple publicidad no aceptaría que se eligieran temas de Tom Waits ni que el disco fuera producido por Andrew Sitek (tv on the radio), a mi modo de ver es el gusto de una chica por canciones poco escuchadas y por tener en su curriculum el trabajar con uno de los músicos mas interesanets de los últimos años. Si bien el trabajo suena bastante parecido a los de Brooklyn, también se puede ver que busca no solo su estilo, sino también su voz para así forjarse un sello particular, y si nos remitimos a lo mas básico a cerca de la técnica vocal parece que queda un poco a deber ya que suena algo plana, pero me parece lo suficiente expresiva como para comunicarnos lo que quiere hacernos sentir con sus canciones y el complemento musical que le acerca con Tv on the radio a primera oída parece que le puede demeritar un poco el trabajo pero conforme transcurre el disco y a lo largo de escucharlo varias veces, nos damos cuenta de que es un binomio interesante y que del cual uno no se arrepentirá al invertirle tiempo para disfruarlo.
El sonido es similar a lo largo del disco, con matices poco variables y que pareciera se disfrutaría mas por separado que todo de un jalón, lo cierto es que a mi me sono agradable y me parece un buen acompañante para una noche tranquila, un par de vodkas y si se puede terminar junto a una chica. Puede o no gustar este material, pero lo cierto es que no es tan malo como se puede pensar y tampoco es tan bueno como algunos de los fans podrian llegar a pensar, es para escuchar, disfrutar y acompañar con lo que mas se desee.

FESTIVAL COLMENA

Cuando me enteré de la visita de Sígur Ros a México, se me hizo un poco rara la idea de presentarse en Tepoztlan, Morelos, pero me dio gran curiosidad por conocer otro foro, además de la idea de un festival en un lugar con mas contacto con la naturaleza. Así que mas por la convicción de ver a la banda de Islandia que con otra cosa en la cabeza, me animé a asistir a dicho evento, cosa de la cual terminaría arrepintiéndome.
La logística del evento indicaba que mi salida sería en el estadio de C.U. a las 9 de la mañana, cosa que no sucedió y que además toda la gente de los demás horarios ya se empezaban a desesperar y para las 10 de la mañana aun no nos habíamos ido, ni la mitad de los citados en dicho punto. La llegada a Tepoztlan se vio empañada por la poca efectividad de los conductores para llegar al lugar y por la poca previsión de un camino que no es apto para transportes grandes y que quisieron usar para que los camiones llegaran hasta el lugar del festival, formando así un embotellamiento que atentaba contra la intención del evento (que era el fomentar la conciencia ecológica), así que me bajé del vehiculo y me dispuse a caminar al llamado “recinto sagrado” y que no le encontré mucho de sagrado, mas bien es un campo de fútbol llanero que esta en medio de unos peñascos, que si está bonito el lugar pero como la mayoría de los asistentes son chilangos, pues con tantito campo se apantallan, hasta había quienes les sacaban fotos a las vacas del lugar.
El evento empezaba con bandas mexicanas, que no hay que de decir mucho de ellas, los mas destacados fueron los Cojolites, unos tipos que tocaban son jarocho pero con un buen estilo, tenían letras divertidas y políticas, de lo mas destacado junto con Los Dorados y Childs. Estos últimos me agradaron bastante, no los conocía pero su música se me hizo muy emparentada con Explosions In The Sky y Los Dorados tiene buen sonido jazzero, lástima que todos tocaran solo 5 canciones y ya, pero en otros casos se agradecía eso, como en Natalia Lafourcade y Juan Son (ex porter), el antes llamado Mussgo, tiene ahora un proyecto igual a su antigua banda, tal vez un poco mas sofisticado pero es lo mismo, nada nuevo. Andrew Bird es un tipo bastante curioso en su interpretación, ya que hace todo: silba, canta, toca la guitarra, violín, etc. comienza formando sus secuencias con los instrumentos y las va adornando conforme la canción lo pide. Se echó el público a la bolsa con un cóver de Bésame Mucho.
Todo estaba listo a las 7:30 de la noche para ver a Sigur Ros, el headliner que haría que ese día fuese inolvidable, y así fue. Abrieron el show con Svefri-e-englar, y el publico se volvió loco con la presencia de los cuatro Islandeses, hasta trataron de corear las canciones, lo que me hizo pensar “que le hacen a la mamada, nadie aquí habla Islandés” pero me di cuenta de que para efectos de seguir la música no hace falta conocer el idioma, solo basta con emular la fonética del vocalista en turno para seguir con la melodía de las canciones. Todo parecía ir muy bien, hasta la tercer canción en que Orri el baterista cae desplomado a un lado de su instrumento, lo que hace que la siguiente canción sea interpretada sin batería para después dejar a la sección de viento en el escenario para interpretar unas cuantas canciones típicas de Islandia en lo que se recupera el baterista. Después de 3 cancioncitas deciden tocar el himno de Islandia pues ya no se saben otra, así que dejan el escenario para poner expectantes a los asistentes, pensando en si el show va a continuar o si se iba a cancelar, y sucedieron las dos cosas a medias. La banda solo ofreció tres interpretaciones mas, ofrecieron disculpas y se fueron, el publico enojado por el mal show decide emprender la retirada, por una vereda en donde regularmente uno se tardaría 10 minutos, pero al ser miles de gentes las que queríamos pasar por ahí, le trayecto se convirtió en una hora de insultos para los organizadores, de empujones y de instrucciones erróneas para llegar a nuestro camión, una vez en la entrada del evento, y después de no encontrar el transporte indicado, comenzamos a caminar hasta el corral donde se encontraban el resto de camiones. Esa Decisión nos condujo a os horas de bajar caminando el cerro del tepozteco para poder encontrar nuestro transporte a nuestros destinos de origen. A las tres de la mañana llegue al punto de partida y de ahí a pasar el resto de la noche en la central del norte para cerrar una aventura por demás desfavorable, en donde se puede resumir así: turnos de cinco canciones con unas bandas buenas y otras malas, el acto principal sin baterista (yo creo que fue por los tacos de cochinita que se echo antes de llegar a tocar) y por ende solo cinco canciones, tres horas de caminata y una desvelada en la central de camiones.
Espero que para futuros eventos la organización sea mejor, que todas las bandas sean de calidad y que la logística esté manejada acorde a las características del lugar para evitar incidentes y favorecer el espectáculo.

LA BARRANCA EN EL METROPOLITAN

Desde “Animal en Extinción” hasta “Día Negro” La Barranca demostró porqué es una de las mejores bandas de México, tiene un estilo bien definido que no cae en los convencionalismos del mainstream y que gira en torno a la guitarra de Aguilera, que dicho sea de paso es el mejor guitarrista de este país.
Así, ese treinta de Mayo al filo de las diez de la noche en el Teatro Metropolitan salieron al escenario los tres integrantes originales de La Barranca; Alfonso André, Federico Fong y José Manuel Aguilera, acompañados de un guitarrista auxiliar y con las participaciones especiales de Jorge “Cox” Gaytán y de Mónica del Águila, para dar paso a la gran ejecución de los temas de “Providencia” (que es el disco a promocionar esta noche) y de un gran recorrido por sus discos anteriores, desde: El Fuego de la Noche” hasta “El Fluir” la banda tuvo un gran gusto para armar un gran set y dejarnos a los asistentes de esa noche un viaje hacia la oscuridad de las letras y la complejidad de la música que tienen como propuesta.
Aguilera se lució con su bellísima stratocaster, André demostró que su talento en las percusiones va mas allá de los caprichos con Jaguares y Fong simplemente nos enseño que es un maestro de la música y del bajo. Si hay algo que me atrae hacia la propuesta musical de la barranca es ese estilo que me hace pensar que el mejor lugar para una presentación de ellos es en los áridos desiertos mexicanos, de noche, con un vaso de mezcal y con todos los sentidos puestos alrededor de la conjunción de talentos que a veces me llevan a pensar que tal vez podrían ser esa especie de “superbanda” que tanto surgían en la década de los sesenta, claro que no hay ningún Clapton, Baker o Bruce pero la conjunción de estos tres músicos nos llevan a parajes oscuros, llenos de misticismo y a la vez alucinantes; como una barranca que esconde los secretos mayas y que a la vez sirve como el típico sello de la orografía de este país, el uso de las guitarras alucinantes nos dice que esta música es de rock, pero los elementos como los violines, cello y percusiones nos dicen que hay algo que emana de este país que se puede hacer bien, que tiene sentido, que tiene una personalidad propia. Lejos de usar otro idioma o estilos del momento, la barranca se erige como una propuesta musical que usa lo que tiene para hacer arte, que no necesita piratear otros elementos para tener una calidad musical, sino que el mismo uso del idioma español tiene lo necesario sino es que hasta mas para lograr una verdadera poesía y se pudo apreciar a simple oida con canciones como: “Akumal” “La Barranca” “Denzura” “La Expedición” “Tempestad” “Reptil” y un largo etcétera.
Además una de las cosas que le dieron magnificencia a esa noche fue la interpretación de varias canciones de manera semi-acústicas, canciones como “Rosa” “El Alacrán” “Estallido Interno” etc, fueron una grata sorpresa esa noche, que aun sin electricidad en las guitarras, las canciones sonaron maravillosas, los arreglos en violín y cello fueron un gran complemento para un espectáculo ya de por si grato y lleno de emoción.
Por eso y mas, la noche en el Metropolitan fue memorable porque al fin pude apreciar de cerca de uno de los guitarristas que mas admiro, y que mejor que acompañado de los músicos con los que mejor ha hecho las cosas.
Escuche que ese día era el cumpleaños de Aguilera, si es así: Felicidades y gracias por hacer música que vale la pena.

JARVIS COCKER "JARVIS"

Jarvis Cocker es uno de los referentes del Britpop que sin duda cada vez que tiene nuevo material, uno acude con cierta curiosidad y cierta expectativa de que es lo que tiene de nuevo este inglés. Cuando escuche el sencillo “Tonite” me agrado bastante; una melodía sencilla, arreglos bien hechos y una letra que es como un dibujo de una día cualquiera en las grandes urbes. Aunque a mi parecer este disco suena muy “veraniego ingles” en donde las composiciones reflejan imágenes de alguien que se sentó en alguna banca alrededor de un lago a las 4 de la tarde y empezó a escribir canciones que después se verían reflejadas en un disco llamado simplemente “Jarvis”. Uno no encuentra aquí algo que nos remita a los buenos días de Pulp, por el contrario, es un disco en donde podemos apreciar a un Jarvis Cocker mas centrado en hacer música de calidad que en entretener a las masas, eso se agradece al oír una propuesta sino fresca, es agradable en el sentido de que la calidad de las letras esta a la altura de lo que le conocíamos y que la música no impacta por gran técnica o por efectos sobrevalorados, la música es un escaparate donde esta el sonido correcto en el momento correcto.

No es un disco que siga la tendencia “indie” de hoy en día, es un disco que marca su propio camino en donde lo que se debe de oír no pasa por el mainstream, es el disco de una persona que ya se hizo de un camino con su banda y que lo que haga de aquí en delante será el reflejo de las experiencias que ha acumulado y que serán material para futuras canciones que serán parte de mejores discos que este, no es que sea malo, sino que a través de la carrera de Pulp nos dimos cuenta de las capacidades de Cocker y sabemos que puede dar material para mejores trabajos.

ALEJANDRO OTAOLA "FRACTALES"

Alejandro Otaola da muestras no solo de ser un gran guitarrista, sino de ser también un gran músico, con visión, talento y sentido de lo arriesgado del arte. La forma en que trabajo su disco “Fractales” es una muestra de arriesgue hacia la demandante y casi muerta industria discográfica; a sus invitados los indujo a tocar cualquier cosa que se les viniera a la mente (asociación libre para músicos) y después de ahí Otaola escribiría lo que fuera necesario para completar la canción (interpretación), el resultado es una obra arriesgada y fresca en unas tierras donde no se dan el lujo de hacer algo diferente. ¿A que suena? En gran medida a King Crimson la improvisación y el jazz que se manejan se asemejan a esta banda, además de que varios cortes parecen inspirados en escenas de películas, yo creo que en cierta medida se asemeja al trabajo de Aguilera “yendo al cine solo” en donde los tracks si estaban hechos para escenas del séptimo arte, aunque no todo queda ahí, el resultado de escuchar este tipo de materiales es el de reflexionar acerca de lo que se espera de la música, no es un disco para cualquier persona, es un disco para alguien que se sienta a escuchar los acordes, a interpretar la melodía y sobretodo es para aquel que le gusta escuchar la música con un trago para hacer suyos los sonidos que escucha.
Con este disco se demuestra una vez mas que el talento no esta en los vive latino, ni en las estaciones de radio, al menos en cuanto a bandas nacionales, sino que esta mas presente en el subterráneo y en los trabajos individuales o colectivos de músicos y artistas de verdad.

TRAVIS "THE MAN WHO"

El segundo disco de la banda de Escocia, es sencillamente maravilloso, es nostálgico, es triste pero con ese ápice que felicidad que te hace pensar que vendrán tiempos mejores a pesar de lo mal que te la estés pasando. Es difícil hablar de alguna canción o canciones en particular que merezcan alguna tipo de mención especial, ya que todo el disco es una joya que se debe de oír completito de principio a fin. Pero si es necesario enlistar canciones pues a mi parecer “Turn”, “Luv” “Why doest it always rain on me”. “As you are” es una de las mejores canciones del cuarteto, tiene una maravilloso solo, una gran armonía y ese sentimiento que hace que cualquier compositor envidie la pieza.
The Man Who es un disco ideal para escuchar bajo la sombra en esas tardes calurosas o de noche o incluso si el día es frío. Se oía bien en 1999 cuando salio y se escucha bien ahora, a nueve años de distancia. La canción que los dio a conocer “Why doest it always rain on me” es de las mas representativas de la banda pero es mejor oírla como parte de una estructura que le da forma.
Tal vez el posible punto malo que le vería es el haber escondido tres canciones al final del disco, pero es solo porque me hubiera gustado que estuvieran dentro del tracklist del disco. No creo que sean malas, por el contrario creo que complementan muy bien toda la obra.
Tenía ciertas reticencias para acercarme a Travis pero a lo largo de su discografía me he dado cuenta de que tiene mucho por dar y que además poseen el talento para demostrarlo con creces.